Il cinema è volto sempre di più all’arte e spesso si è ispirato a Shakespeare: lo testimonia il fatto che i numerosi protagonisti delle sue tragedie e commedie hanno fornito lo spunto per rivisitazioni cinematografiche. Andre Bazin ha scritto esplicitamente di film e teatro nel suo lavoro in due volumi What Is Cinema?. Ci sono stati molti dibattiti sull’originalità, l’adattamento e la messa in scena dei primi film che hanno continuato a essere discussi e scoperti nel corso della storia del cinema. I film e le opere teatrali sono completamente diversi, ma alcuni film e registi hanno abbandonato la semplice strada della riproduzione della realtà a favore di una trasposizione dell’opera letteraria. Dunque, ecco dei film che sono al confine fra teatro e cinema, ed esplorano i tratti che rendono queste opere dei film, ma che sono veramente radicati nelle trasposizioni teatrali.
Mélo (1986) – Alain Resnais
Adattato dall’opera del 1929 di Henri Bernstein, Alain Resnais mette in scena la sua opera teatrale attorno a tre amanti che ricreano il tempo e l’atmosfera. Il film è concentrato sull’artificio e sulla creazione del mondo causato dal design, dal colore e dall’illuminazione, ma sono l’atmosfera e l’intelletto che tengono compatto questo film. Sabine Azema è il collegamento tra Pierre Arditi e Andre Dussollier, due amici che erano soliti esibirsi insieme, ma si sono divisi per intraprendere percorsi differenti.
Nel corso del film pieno di musica, apprendiamo cosa è andato storto, sperimentando con la memoria e, naturalmente, con il tempo. Le esibizioni possono essere leggermente alterate, quasi a distanza come quelle eseguite a teatro, in modo simile alle riprese. Forse è questo che rende il film così unico e polarizzante. Indipendentemente da ciò, Resnais ha continuato a girare film in modo teatrale, ma qui è sembrata quasi una transizione dai suoi film precedenti a quelli successivi.
Cesare deve morire (2012) – Paolo e Vittorio Taviani
I fratelli Taviani hanno sempre realizzato film che invitano il pubblico a connettersi veramente e far parte dell’esperienza. Cesare deve morire è girato in un bianco e nero chiaro ma brutale, che crea un’atmosfera documentaristica. Conosciamo questi carcerati e le condanne a vita che stanno scontando. Tuttavia, con una nuova scintilla di vita iniettata in loro per essere parte di una delle amate tragedie di Shakespeare, assistiamo al loro risveglio.
Li vediamo diventare i migliori esseri umani possibili attraverso l’esplorazione dei personaggi, proprio come gli attori professionisti vengono toccati dai ruoli teatrali che interpretano. Mentre la trasposizione teatrale si svolge sul palco con i prigionieri che interpretano Cesare, vediamo il cambiamento in loro, non come detenuti ma come persone. I fratelli Taviani mostrano come il teatro alla fine può cambiare la vita di qualcuno e, nel farlo, lo hanno catturato nel film.
Synecdoche, New York (2008) – Charlie Kaufman
Nonostante anni di scrittura di alcune delle sceneggiature più fantasiose e originali, Charlie Kaufman non è mai passato dietro la macchina da presa fino a Synecdoche, New York, dove sicuramente non ha deluso. L’analisi e la critica vanno dai dipinti in miniatura alle case in fiamme a un magazzino di dimensioni surreali, ma la trasposizione teatrale parla della mente e della psicologia di una persona, esposte attraverso la produzione di un gioco su larga scala della sua stessa vita.
Phillip Seymour Hoffman tiene le redini di questo film metafisico con le sue relazioni e i suoi amanti, e i loro attori sostituti per quello che si sviluppa in una grande rete di sovrapposizioni; ma è la seconda metà del film quella dedicata alle arti dello spettacolo. Guardiamo il Cotard di Hoffman dare direttive, aiutare ad entrare nella mentalità dell’attore e capire in che cosa consiste veramente la commedia. Per due ore entriamo nella mente di Cotard mentre lotta per mettere il suo dolore, la sua gioia, la sua speranza, la sua disperazione e tutto il resto nello spettacolo sulla sua vita.
La sera della prima (1977) – John Cassavetes
Dalle conversazioni nel backstage alla recitazione ubriaca, il gruppo teatrale di John Cassavetes ha brillato in La sera della prima. Dopo la morte accidentale di un fan, Rowlands, un’attrice dedicata che ottiene i ruoli dalla recitazione e nient’altro, si trasforma in una perduta digressione della sua stessa vita. Assistiamo a ciò che lei fa a quelli più vicini a lei, che ovviamente fanno parte della produzione teatrale.
Cassavetes ha sempre posto gli attori al primo posto e da quando hanno combinato insieme cinema e teatro, gli attori brillano davvero nelle loro esibizioni e spettacoli sul palco. Ha senso che Cassavetes abbia dovuto girare un film che ruotasse solo attorno alla gente del teatro. Vengono esplorati il processo creativo, il metodo di recitazione e il motivo per cui lo fanno notte dopo notte. Cassavetes usa il palcoscenico come un altro approccio stratificato per gli attori per lasciarsi andare sul palco, letteralmente e figurativamente.
Céline e Julie vanno in barca (1974) – Jacques Rivette
Jacques Rivette potrebbe aver raggiunto il culmine nel portare l’assurdità, la magia e l’arte per Céline e Julie vanno in barca. Il mago Céline e la bibliotecaria Julie intraprendono un’avventura nella vena di Alice nel Paese delle Meraviglie, utilizzando case infestate e caramelle magiche, il tutto senza perdere la messa in scena teatrale e la recitazione a livello cinematografico. È un film altamente imprevedibile in cui non sai dove ti porterà ogni scena. Rivette adorava il teatro e lo fondeva sempre con il cinema: che si trattasse di una messa in scena in uno spettacolo teatrale o di un gruppo teatrale come protagonisti di un film, il regista si spingeva sempre oltre.
Il Rito (1969) – Ingmar Bergman
Il Rito è un gioiello nascosto di Ingmar Bergman che vede un trio di attori teatrali che sono sotto inchiesta per gli atti indecenti durante le loro esibizioni. Girato in espressivi primi piani in bianco e nero di Nykvist e in spazi claustrofobici, il film sembra certamente un’opera teatrale, proveniente da un maestro che ha diretto spettacoli teatrali tra un film e l’altro. Facendo molto affidamento su un’atmosfera simile all’horror e sull’umore da favola per un finale esplosivo, Bergman esplora la psiche umana del suo trio di clienti abituali Gunnar Bjornstrand, Ingrid Thulin e Anders Ek.
Man mano che il film va avanti, veniamo a conoscenza dei personaggi, della loro opera teatrale e del mistero circostante del “rito”. Bergman tratta il suo film come uno spettacolo con ambientazioni minimaliste, forte dipendenza dai dialoghi e semplici riprese; era quasi come se avesse girato una commedia in alcune stanze, proprio come ha fatto in seguito nella sua carriera televisiva. Qualsiasi fan di Bergman sa che questo film è da non perdere.
I racconti di Hoffmann (1951) – Michael Powell e Emeric Pressburger
Composto da tre storie, I racconti di Hoffmann è legato insieme a un prologo ed epilogo, ed è un meraviglioso adattamento dell’opera di Jacques Offenbach. E’ girato con alcuni primi piani e riprese a mezzo busto e diventa vivo, con i suoi colori, costumi, trucco, oggetti di scena, design e illuminazione. Nessuna delle prodezze tecniche del teatro e del film viene ignorata, anzi, viene portata a nuove altezze, incomparabile con qualsiasi adattamento prima o dopo. Mentre le tende letterali salgono e scendono, è come se guardassimo un’opera sullo schermo.
Birdman (2014) – Alejandro G. Inarritu
In Birdman, Iñarritu prende in considerazione tutti i grandi aspetti delle trasposizioni teatrali e del cinema e li mette in un unico film. Questo esplora molti elementi della commedia, del realismo, dell’ambizione, del malessere, delle relazioni e del processo creativo, senza mai perdere il focus ma continuamente sovrapponendosi l’un l’altro. Michael Keaton offre la performance della sua carriera di ex eroe che cerca di fare ritorno a Broadway, mentre si occupa dei suoi numerosi eccentrici artisti e familiari.
Ciò che rende le linee sfocate è il concetto di non editing in quanto il pubblico deve guardare l’attore o gli attori dati nelle immediate vicinanze, proprio come facciamo sul palco. In questo film possiamo determinare le reazioni, le emozioni e la fisicità di tutti coloro che sono sullo schermo, anche sul palco o semplicemente sullo sfondo.
Rumori fuori scena (1992) – Peter Bogdanovich
Rumori fuori scena è un film su un gruppo teatrale che vive il dietro le quinte in modo agitato. Adattando l’opera teatrale del 1982 di Marty Kaplan, Peter Bogdanovich utilizza ampi schermi su un set pratico per mostrare i suoi dialoghi sovrapposti e la messa in scena. È uno dei film di Bogdanovich che si adatta alle sue commedie insolite: cattura davvero l’essenza, la follia e il lavoro dietro le quinte di un’opera teatrale, anche ridendo istericamente durante le pause. Tuttavia, invece di una semplice farsa, la commedia aggiunge livelli alti alla produzione della commedia e del film. Michael Caine guida un grande cast e se si vuole guardare un film che esplora la grandezza del teatro, non c’è bisogno di cercare altrove.
Vanya sulla 42esima strada (1992) – Louis Malle
Ambientato in un teatro fatiscente a Broadway, Andre Gregory mette in scena un adattamento di Zio Vanya di Anton Chekov. Ciò che vediamo è una rappresentazione accurata di un’opera teatrale eseguita, provata, preparata, vissuta e sentita dagli attori. È una commedia per gli amanti del teatro e per gli attori che dedicano la loro vita ad esso.
Girato in un periodo di transizione a New York City, cattura un’epoca passata. Allo stesso tempo, è stato rilasciato proprio mentre la scena del film indipendente americano si è diffusa nel settore. Quindi il film di Louis Malle sembra stranamente posto in una fase di transizione, che col tempo si aggiunge all’adattamento russo aggiornato, all’esperimento cinematografico filmato e alle performance a portata di mano.
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